O Diabo é o Pai do Rock (seus filhos prediletos!

The Doors

2006-03-28T11:04:00.000-08:00

Para àqueles que estão acostumados a ler esta coluna eu já aviso que hoje ela será diferente. Sim, resolvi mudar um pouco. Como sempre, irei falar sobre música, claro, mas desta vez com um ingrediente especial: o cinema. Música e cinema sempre andaram juntos, seja com uma boa trilha sonora, seja contando a história de algum músico ou banda. Se juntarmos estes dois ingredientes o que teremos? Teremos o filme The Doors de Oliver Stone, lançado em 1991.
Como você já deve ter reparado o filme é sobre esta grande banda californiana. Mas os Doors são apenas uma desculpa para contar a história do vocalista Jim Morrison, idealizador e compositor da banda, além de um dos ícones dos anos 60. A vida de Jim não se resumia à apenas sexo, drogas e rock and roll, mas em sexo, drogas, rock e filosofia. Sim, filosofia. Do nome da banda às músicas e até as apresentações ao vivo, tudo era muito bem concebido por Jim e tudo tinha um significado.
Comecemos pelo nome da banda. The Doors foi tirado do livro de Aldous Huxley, The doors of Perception (As Portas da Percepção). O livro é um relato de experiências do autor com drogas psicodélicas, principalmente o peiote. É fácil perceber que Jim era fã de peiote (principalmente quando tomado nos desertos da california), ele queria que a banda fosse igual ao peiote, que fizesse com que os ouvintes expandissem suas consciências, que abrissem as portas da consciência do público, que fizessem com que as pessoas atravessassem para o outro lado, como diz o grande clássico Break on Through.
A concepção musical dos Doors nós iremos dividir em duas partes, música e letra. A música tinha que despertar algum tipo de sentimento no ouvinte, fazendo com que ele tivesse alguma emoção ao escutar a música. Riders on the Storm e The End tinham como objetivo fazer com que o ouvinte entrasse em transe, se possível com a ajuda de alguma substância. Light My Fire, Break on Through e L.A. Woman serviam para as pessoas ficarem alegres, que dançassem e se divertissem. Backdoor Man e Gloria eram para estimular os desejos sexuais. Duvida? Escute Gloria com atenção e perceba que a música toda representa um ato sexual: conhecer uma garota seduzi-la, converse-la e transar com ela (a última parte fica clara com a mudança de ritmo da música).
Jim Morrison era um poeta e suas letras são pura poesia. Morrison era um impressionista, um surrealista e um niilista do mesmo quilate de seus grandes ídolos: Niezsche, Rimbaud, Baudelaire, Blake, Byron e Kerouac. Jim era um fatalista que adorava a morte, e ela era um tema constante em sua poesia (“este é o fim/ meu único amigo o fim”). Ele queria que as pessoas admirassem a morte, pois esta era uma maneira de se sentirem felizes por estarem vivos, e assim, aproveitarem melhor a vida.
Os shows dos Doors eram um grande evento. Quando Jim cantava que “No one here gets out alive” (ninguém sairá vivo daqui) ele queria dizer que as pessoas seriam outras ao termino do show. Segundo Jim: “Um concerto dos Doors é um encontro público que nós chamamos de discussão dramática especial. Quando nós atuamos, nós participamos da criação de um novo mundo e queremos celebrá-lo com o público”. Jim se proclamava Dionísio do século XX (Dionísio é o Deus grego do amor e dos prazeres) que tinha como obrigação trazer alegria e prazer às pessoas.

Túmulo de Jim Morrison em Paris

Mas os Shows dos Doors nem sempre foram assim. Pode parecer mentira mas Jim Morrison era uma pessoa extremamente tímida, e nos primeiros shows da banda ele cantava de costas para a platéia, com medo de encará-la de frente. Este fato esta relatado no filme, ele e outra histórias incríveis, como por exemplo: Jim chamava a rua onde Pam (sua futura esposa) morava de Love Street, que mais tarde virou o nome de uma música da banda. Outra história do filme: Jim não conseguia gravar a música Soft Parade pois não relaxava para cantar bem. A música só foi gravada com a ajuda de Pam, que deixou Jim relaxado o suficiente durante a gravação (assista ao filme e veja como ela conseguiu).
Nada melhor que acabar este texto com um trecho do escritor favorito de Jim Morrison, Friedrich Nietzshe:

“Apesar dos favoritos dos Deuses morrerem jovens
eles viverão eternamente na companhia dos Deuses.”

Hoje darei duas dicas de livros: As portas da Percepção de Aldous Huxley e O Anticristo de Nietzshe.

Toca Raul!!!!

2006-03-13T04:10:00.000-08:00

O que acontece quando um dito cidadão respeitado que ganha 4.000 cruzeiros por mês, como executivo de uma grande gravadora, resolve largar tudo para tentar realizar seu sonho de infância de se tornar uma estrela do rock? Simples. Nasce uma lenda do rock que iria mudar os rumos, não só da música brasileira mas dos costumes da sociedade e, porque não, até da literatura universal. Nasce, assim, Raul Seixas.
Em 72 este baiano de Salvador decide largar seu emprego de produtor musical da gravadora CBS para participar do Festival Internacional da Canção. Com a música Let me Sing, Let me Sing (mistura de baião e rock) Raul chega às finais do festival, mas não consegue vence-lo. Mas a sua apresentação, vestido de Elvis com um topete enorme e dançando muito, impressiona a todos e principalmente os executivos da gravadora Phillips que o contratam na hora.

Sete meses depois dois caras cabeludos e barbudos saem em passeata pelas ruas do Rio de Janeiro, um deles carregando um violão. Rapidamente eles chamam a atenção de centenas de pessoas que os seguem, assim como a imprensa. Os caras eram Paulo Coelho e Raul Seixas. Os dois saíram pelas ruas cantando Ouro de Tolo, para promover a nova música. O resultado: conseguiram aparecer à noite no Jornal Nacional (lembrem-se que estávamos no meio da ditadura militar e qualquer aglomeração de pessoas era uma grande notícia) e duas semanas depois Ouro de Tolo já era o compacto mais vendido no Brasil.

Um mês após a passeata chegava as lojas Krig-Há, Bandolo!, o primeiro (e melhor) disco solo de Raul Seixas (que já havia gravado com seu antigo grupo: Rauzito e os Panteras). Com uma mistura de ritmos, letras esotéricas, políticas, de duplo sentido e bem humoradas o disco rapidamente chegou a marca de 1 milhão de cópias vendidas, feito até então só alcançado por Roberto Carlos.
O disco começa com Raul aos 9 anos de idade cantando Good Rockin Tonight, gravação interessante que mostra o quão cedo Raul já queria ser o rei do Rock. Em seguida dois grandes clássicos. Mosca na Sopa, um Rock-Baião, que fez um sucesso enorme, em que Raul avisa que é a mosca que irá perturbar o sono (da classe média e dos militares) com sua mensagem e que não há DDT (ou censura) que irá extermina-lo. Metamorfose Ambulante dispensa comentários, mostra o inconformismo de Raul com os costumes tradicionais da classe média.

Dentadura Postiça com seu trinômio: vai cair, vai subir e vai sair é ótima. Vai cair: o nível do gás, o juízo final, os dentes de Jô....; vai sair: o novo gibi, o expresso 22, o Sol outra vez,....; Vai subir: o elevador, o preço do horror, o nível mental....Esta letra é pura poesia. Na seqüência vem a conhecida As Minas do Rei Salomão um country com uma letra esotérica que cita até o Dom Quixote: “o cavaleiro andante que luta a vida interira contra o rei..”. A Hora do Trem Passar fecha a primeira parte do disco e é uma bela balada romântica, fato raro na carreira de Raul.
Al Capone é um clássico e impressiona o fato dela não ter sido censurada na época. Será que ninguém percebeu que ele fazia menção a política brasileira? Sem falar no trecho “... hey Jesus Cristo o melhor que você faz/ deixar o pai de lado e foge pra morrer em paz”. Já How Could I Know é um sonho de Raul que nunca se concretizou enquanto era vivo: gravar um disco cantado todo em inglês. Rockixe apesar do destaque dado a ela no disco (sua letra estava na contra capa) não chegou a fazer sucesso. A música é um rock com metais ao estilo Elvis Presley e com uma ótima letra: “ o que eu quero/ eu vou conseguir/ pois quando eu quero/ todos querem e quando eu quero/ todo mundo pede mais e pede bis”.
Manuscrito de Al Capone
Cachorro Urubu é outra música política de Raul e Paulo Coelho, fazendo menção a revolução estudantil da França de 68 e aos movimentos de contra-cultura: “todo jornal que eu leio/ me diz que a gente já era/ que já não é mais primavera/Oh baby, a gente ainda nem começou!”. A última música do disco é a autobiográfica Ouro de Tolo, que dispensa comentários. O disco acaba com um discurso de Raul “..que o mel é doce eu me recuso a afirmar/ mas que ele parece doce, eu afirmo/ Deus é o que me falta para compreender tudo aquilo que ainda não compreendo..”.

Para finalizar alguém sabe o que significa Krig-Há Bandolo!? Uma frase de magia negra? Uma referência ao livro tibetano dos mortos? Não! É apenas o grito de guerra do Tarzan nos gibis e quer dizer cuidado, aí vem o inimigo! Este é o grande humor de Raul Seixas.
A dica de hoje é o livro Diário de um Mago do imortal Paulo Coelho, onde dá para entender um pouco como a magia era encarada pela dupla Paulo Coelho e Rau

Franz Ferdinand / Morumbi dia 21/02/06

2006-02-25T09:06:00.000-08:00

o vocalista Alex Kapranos do Franz Ferdinand no show em São Paulo

A banda escocesa Franz Ferdinand ainda é pouco conhecida no Brasil, mas depois dos dois shows de abertura para a banda U2, eles conseguiram conquistar vários novos fãs.Às 20 horas em ponto a banda subiu no gigantesco palco e fez um show simples porém muito competente.
Com um cenário incrivelmente modesto, uma bandeira preta com dois F desenhados, pendurada em frente a bateria do U2 (acreditem, foi somente isso). Foram somente quarenta minutos de show (o ponto baixo, pois eles mereciam mais tempo) que fizeram o estádio do morumbi dançar.
The Dark of Matinee foi o primeiro hit tocado e já animou a galera, todos começaram a pular ao som desta música, muitos não conheciam a banda, mas quando eles tocavam algum hit todos comentavam, "Ei, eu conheço esta música!"O mesmo aconteceu com o single mais recente do FF, Walk Away.
Os pontos altos d show foram as músicas mais "famosas": Take me Out, com o público em coro cantando o refrão, para a surpresa da banda; This Fire que foi a música que fechou o show, pos fogo no estádio (que cliché!). Mas o melhor foram as canções Do you Want to (que fez todos pularem)e Outsiders em que a banda contou com três bateristas tocando ao mesmo tempo e na mesma bateria!
Apesar do pouco tempo de show com certeza o Franz Ferdinand conquistou vários fãs com os shows de abertura do U2, ficamos aqui imaginando como seria o show completo da banda. Espero que eles voltem em breve e se possível com a banda que abre seus shows na gringa, o maravilhoso Magic Numbers. Para àqueles que não viram o show, só resta mesmo escutar os dois cds do Franz Ferdinand.

A pérola do Rock

2006-02-21T08:15:00.000-08:00

Nascida em Port Arthur, Janis Joplin foi a maior estrela da cena musical de San Francisco e uma das maiores de sua época e de todos os tempos. No mundo machista do rock pouquíssimas mulheres conseguiram se estacar e apenas Janis conseguiu o status de estrela. Tentando preencher o vazio do amor ela encarnou como poucos o trinômio sexo, drogas (incluindo o álcool) e rock and roll (e muito blues).
San Francisco, mais do que todas, nos anos 60 era a cidade do paz e amor. Era a cidade com a maior concentração de hippies por metro quadrado do universo. Existiam inúmeras comunidades e numa delas Janis Joplin morava com a maravilhosa banda Grateful Dead (que ficou 20 anos ininterruptos fazendo turnê pelos EUA em um ônibus escolar, onde todos moravam!!).

Janis era fã declarada de Blues, ritmo que escutava desde a infância no Texas, e começou sua carreira em 63 cantando em pequenos bares de San Francisco. Em 65, movida a muita anfetamina, ela monta a Big Brother and the Holding Company Band (talvesz a sua melhor banda). Juntos lançam o excelente disco Cheap Thrills e fazem muito sucesso tocando em festivais até 68 quando a banda acaba.

No mesmo ano Janis monta a tumultuada Kozmic Blues Band que dura pouco mais de um ano de fracassos musicais. Em 69 ocorre a lendária visita de Janis Joplin ao Rio de Janeiro, onde foi expulsa do hotel Copacabana Palace por fazer top less na piscina. Dizem que ela queria conhecer as melhores atrações turísticas do Rio, ou seja, os puteiros (segundo a própria).E conheceu todos, pelo menos os melhores, como conta o lendário Sergei, brasileiro e “namorado” de Janis na época.

Janis bem a vontade em Copacabana com seu amigo Jack Daniels
De volta a San Francisco Janis monta a Full Tilt Boogie Band e faz uma turnê pelo Canadá acompanhando o Grateful Dead . O detalhe desta turnê é que ela foi feita a bordo de um trem. Eles paravam em uma estação em uma dada cidade e tocavam para quem estivesse na estação, e de graça. Esta loucura toda esta documentada no filme Festival Express. Tentem imaginar o que acontecia nos vagões do trem!!

Com o fim desta louca turnê Janis e sua banda entram em estúdio para gravarem o clássico Pearl. De sua capa, com Janis sentada num sofá vitoriano com uma garrafa de cerveja em uma mão e um cigarrinho suspeito na outra, a suas músicas este disco é antológico.
Com exceção de Buried Alive in the Blues, Me and Bobby Mcgee e Mercedes Benz todas as outras 7 músicas do álbum falam sobre amor. Mas as músicas não são repetitivas pois falam das diferentes fazes do amor. A Woman Left Lonely fala da solidão de uma mulher abandonada por um homem (ou uma mulher). Cry Baby (aquela da trilha sonora do filme Olha quem Esta Falando) é a história de um cara que leva um fora e vai se consolar com uma amiga, que por sua vez tenta convence-lo a ficar com ela e esquecer a mulher que o abandonou.
Move Over é um ultimato de uma mulher que diz para o cara tomar uma atitude ou que ele caia fora para dar lugar a outro. O interessante de Move Over é a parte musical, com os instrumentos dialogando com o vocal em uma mesma melodia enquanto a bateria marca o compasso. Buried Alive in the Blues é uma música instrumental onde se pode comprovar todo o talento da banda de Janis. Com variações rítmicas é possível escutar nesta música todo o poder de uma Gibson SG em ação.
Me and Bobby Mcgee é uma típica música hippie. Este folk-country conta a história de uma mulher com um tal de Bobby Mcgee que ela conheceu na estrada, eu destaco os versos: “liberdade é apenas outra palavra/ para nada a perder” e “eu trocaria todos os meus amanhãs/ por um único ontem/ para abraçar de novo o corpo de Bobby”. Mercedes Benz é a prova de toda a capacidade vocal de Janis, pois esta música não tem instrumentos, apenas a sua voz. Ela canta um pouco de seu estilo de vida: “oh senhor, você poderia me pagar uma noite na cidade?/ Prove que me ama e pague a próxima rodada”. Aliás ela ganhou o Porshe que tanto sonhava na música, já a rodada de bebidas ela mesma pode comprar várias!

Janis Joplin morreu de overdose de heroína no dia 4 de outubro de 1970. Dez dias depois chegava as lojas o disco Pearl, a sua maior obra prima. Algo interessante que eu consegui achar na rede é o relatório do legista de Janis, vocês podem vê-la neste site: http://www.janisjoplin.net/kozmic/autopsy.html
Minha dica de hoje é o filme Os Sonhadores de Bernardo Bertolucci. Este filme se passa em Paris e retrata as duas faces dos anos 60: o ativismo político com a revolução estudantil de Paris em 68 e a alienação em que os personagens do filme ficam dias dentro de um apartamento conversando sobre cinema e escutando Janis Joplin!

O prenúncio

2006-01-23T06:55:00.000-08:00

Depois da saída traumática de Syd Barrett, o Pink Floyd parecia caminhar para o seu final. Com a entrada do genial David Gilmor a banda arrisca em Atom Heart Mother, mas só começa a trilhar seu caminho musical com o disco seguinte, Meddle. Este disco antológico é muito admirado pelos fãs do Pink Floyd mas é totalmente desconhecido do grande público, tendo o seu brilho ofuscado pelo Dark Side of the Moon e The Wall.
Com Medlle a banda demonstra um grau de entrosamento e criatividade enorme que parecia insuperável. Parecia seu auge e os não poderiam ter a pretensão de esperar algo melhor. Mas todos se enganaram, pois o grupo quis ir mais longe e se superar gravando The Dark Side of the Moon, mas este é um assunto para depois, agora voltemos ao Medlle.
O disco, que foi gravado em 1971/72 no lendários estúdio Abbey Road em Londres, começa com a maravilhosa One of these Days. A introdução, ruídos de vento, é interrompida pelo hipnótico baixo do genial Roger Waters. A faixa conta com vários efeitos produzidos em estúdio, entre eles, as entradas de bateria no começo e o som dos pratos, durante a música, sendo reproduzidos de trás para frente. Isto mesmo, eles gravavam o som dos pratos e reproduziam na faixa ao contrário, causando um efeito impressionante. Sem contar a estranha letra com o vocal de Nick Mason, a letra tem apenas uma frase e diz: “Um dia destes eu te cortarei em pedacinhos”!!
Em seguida temos a tranqüila A Pillow od Winds. Com o suave vocal de Gilmor juntamente com seus solos de guitarra, a música faz com que o ouvinte se sinta em um sonho, deitado em algum vale verde deitado com seu amor ao seu lado e com ela respirando suavemente, como diz a letra.
Fearless tem um excelente riff de guitarra de Gilmor, que para variar também a canta muito bem. O curioso desta música é que ela termina de uma maneira surpreendente, com a torcida do Liverpool cantando seu grito de guerra “ You´ll never walk alone”. (ainda bem que eles não cantarão esta música em dezembro de 2005!). San Tropez, escrita e cantada por Waters, é um jazz lento e suave sobre a cidade litorânea de San Tropez que fica no sul da França, freqüentada por pessoas no mínimo milionárias.
Seamus é um Blues magistral que fecha a primeira parte do disco. A música é cantada por Gilmor e seu cachorro Seamus. Isto mesmo o cachorro!! Seamus tinha o costume de “cantar” (uivar seria a palavra mais apropriada) para seu dono enquanto ele tocava violão. Se vocês não acreditam vejam a dica que dou no final do artigo, nele Seamus aparece “cantando” em um palco com Rick Wright segurando seu microfone!
Por fim a sensacional Echoes com seus maravilhosos 26 minutos (apesar desta duração ela esta longe de ser chata). Criada a partir de diferentes sons elaborados por cada integrante da banda e justapostos em seqüência, o que não aparenta na música pois ela soa totalmente coesa. Rick Writgh está simplesmente sensacional, tanto no piano quanto no órgão, que parecem esta sendo improvisados, mas não estão. Nick Mason surpreende aqueles que acham que o único papel da bateria é dar ritmo à música, pois ele consegue fazer melodias completas com seu instrumento.
Agora um fato surpreendente sobre esta música. Ela esta sincronizada com o final do filme de Stanley Kubrick, 2001 – Uma Odisséia no Espaço. É a parte onde o astronauta tenta desligar o computador HAL 9000, e para aqueles que ficaram curiosos, é fácil achar na rede as cenas sincronizadas com a música. Você deve estar se perguntando: é possível que a banda tenha feito isto de propósito? É improvável, mas em se tratando de Pink Floyd, nada é impossível, sem contar que esta sincronia volta a acontecer com o disco The Dark Side of the Moon e o filme O Mágico de Oz.
Para finalizar eu gostaria de lançar um desafio: alguém consegue adivinhar do que é esta foto na capa do disco? Ela foi concebida pela banda e o objeto (ou parte do corpo) parece estar submerso na água.
A dica de hoje é o DVD Live at Pompeii do Pink Floyd, gravado nas ruínas da cidade de Pompéia (Itália) que foi destruída depois de uma erupção do vulcão Vesúvio. O interessante é que as ruínas não tinham energia elétrica e para a realização do show foi necessário um cabo que ligassem as ruínas à cidade mais próxima, que só ficava a uns quinze quilômetros de distância.

Eu voltei (e com novidades)

2006-01-23T06:52:00.000-08:00

Pessoal eu voltei depois de um curto período de férias, e agora trago novidades!
A primeira é que os artigos serão publicados primeiro aqui neste Blog e depois no site spiner (não por muito tempo, logo eu mudarei de casa)!
A segunda é que futuramente eu começarei a fazer a resenha de alguns shows, e espero começar com o grande U2!
Espero que os meus 3 ou 4 leitores gostem!
Até
João

Alta Voltagem

2005-12-09T08:36:00.000-08:00

O que a Austrália tem de melhor? O canguru? As praias? O rúgbi? Os aborígenes? Nada disso. O melhor da Austrália, com certeza, é a banda AC/DC que com um misto de Rock´n Roll e Boogie (Blues tocado mais rápido) e com um tempero de Heavy Metal, conquistou o mundo todo.
A banda foi montada no começo dos anos 70 pelos irmãos Malcolm e Angus Young. Aliás Angus é o irmão mais novo da família Young, e no começo da banda ele tinha apenas 14 anos, e por este motivo, ele saia direto do colégio para os shows da banda, não tendo tempo nem para trocar de roupa. Nascia assim, a marca registrada da banda: a roupa de colegial que Angus usa nos shows até hoje.

A primeira formação da banda contava com os irmãos Young nas guitarras, Phill Rudd na bateria, Dave Evans nos vocais e Mark Evans no baixo. Pouco tempo após o começo da banda o vocalista Mark resolve sair. Com alguns shows marcados e sem vocalista a banda não sabia o que fazer. Neste contexto, entra em cena o lendário Bom Scott, que na época era o motorista da banda, assumindo os vocais.

No ano de 1976 sai no mundo todo o disco High Voltage, uma compilação das melhores músicas dos dois primeiros álbuns da banda, lançados somente na Austrália (High Voltage e T.N.T.). Destes dois primeiros discos as músicas Show Business, You Ain´t got a Hold on me, Soul Stripper e Bay Please Don´t Go só saíram no maravilhoso EP 74´Jailbreack. Enquanto que as músicas Stick Around, Love Song, Rocker e School Day´s só saíram na caixa Bon Fire de 1998. Mas podem ter certeza que as melhores músicas ficaram na versão internacional de Hogh Voltage.
O disco começa com a música It´s a Long Way to the Top (if you wanna rock and roll) que é um aviso para todos aqueles que querem o rock que o caminho até topo é bem longo. O clipe desta música é bem legal e é muito parecido com o clipe da música All Because of You do U2, com algumas diferenças: o caminhão era pequeno, o equipamento de som era ruim e eles não chegaram a parar o trânsito de Sidney.
Em seguida vem Rock´n Roll Singer com Bom Scott contando a história de como ele se tornou cantor de Rock. Ele conta que já sonhava em cantar desde criança e que abandonou a escola, deixou o cabelo crescer e enfrentou todos os moralistas para virar uma estrela de rock.
The Jack é minha música favorita, este Blues tem duas versões para a sua letra. A primeira é a do disco, e é bem moderada, e conta a história de um jogo de pôquer entre uma mulher e Jack, que só perde os jogos e não consegue vencer. A segunda versão só é cantada nos shows da banda, e nela quem perde a partida de pôquer tem que tirar uma peça de roupa, e mesmo assim o Jack só perde. Esta é apenas uma das letras de duplo sentido da banda (este é um dos motivos pelos quais o AC/DC sempre fez um enorme sucesso nos EUA, já que as letras de duplo sentido enganavam a “censura” daquele país), e nesta linha de letras o disco tem também Live Wire, o personagem da música esta cheio de “energia”. Little Lover e She´s Got Balls também seguem este estilo de letras.

T.N.T. é um clássico da banda! Além do fantástico instrumental e dos backing vocais dos irmãos Young, a letra merece um grande destaque. Um sujeito (provavelmente Bom Scott) esta voltando à sua cidade natal, depois de ficar um tempo fora (possivelmente na cadeia), com uma grande “energia” armazenada, ou seja, ele é puro T.N.T.! A música que dá nome ao disco High Voltage, não tem conotação sexual. É a banda dizendo a todos que eles são pura alta voltagem e que chegaram para “eletrizar” o mundo do rock.

Eu deixei a música Can´t i Sit Next to you Girl por último por três motivos: 1) foi a primeira música gravada pelo AC/DC; 2) a letra conta a história de uma cantada que Bom Scott deu em uma mulher em um bar onde a banda estava tocando; 3) na dica que eu darei no final do artigo tem um clipe desta música, com a banda se apresentando em um programa da TV australiana, e simplesmente Bom Scott esta vestido de mulher com vestido e peruca loira! Tentem imaginar um cara todo tatuado vestido de mulher! É uma das cenas mais engraçadas da história do Rock.

Para finalizar eu só gostaria de falar um pouco da contra-capa deste disco. Quem puder, dê uma lida nela. Se trata de cartas escritas para cada membro da banda (no casa dos irmãos Young, a diretora da escola dos dois escrevendo para a senhora Young). A de Bom Scott é uma declaração de amor de uma garota, mas o único problema é que ela é filha do prefeito da cidade. Vale a pena ler as cartas e reparem no singelo coração que foi desenhado para Bom Scott!
A minha dica é o DVD Family Jewells do AC/DC que contém todos os clipes da banda, entrevistas e cenas inéditas e raras da banda.

London Calling

2005-11-18T08:07:00.000-08:00

Sempre ouvi dizer que London Calling do Clash é o melhor disco de Punk Rock de todos os tempos e nunca levei este fato muito à sério. Até que um dia resolvi arriscar. Comprei o London Calling esperando um disco barulhento, agressivo, com músicas simples e com muita anarquia nas letras. Devo confessar que me decepcionei, mas no bom sentido, pois London Calling superou todas as minhas expectativas quanto a sua qualidade. O disco é tranqüilo, com músicas muito bem feitas (e até complexas) e não é anarquista, muito pelo contrário, tem letras politizadas que fazem o ouvinte querer mudar o seu modo de pensar através da conscientização das pessoas.

Como muitas bandas Punks da época, o Clash, surgiu após os caras da banda verem um show dos Sex Pistols (o Joy Division começou da mesma maneira), e além disso a estréia nos palcos da banda, 4 de Julho de 1976, foi abrindo o show dos Pistols. Em 77 a banda assina com a gravadora CBS e lança o álbum homônimo que fez um grande sucesso na Inglaterra, assim como o segundo disco Give´Em Enough Rope. Mas foi com o terceiro disco, London Calling, de 1979 que a banda ficou famosa no mundo todo.
Antes da fama os caras da banda (Mick Jones, guitarra e vocais; Joe Strummer, guitarra e vocais; Paul Simonon, baixo e Topper Headon, bateria) moravam nos subúrbios de Londres, em um bairro dominado por uma grande comunidade de imigrantes jamaicanos, daí a grande influência musical e política do Reggae. Assim, com uma mistura de Reggae, Ska e Rock a banda criou um novo tipo de música e o disco foi eleito, pela revista Rolling Stone, o melhor da década (79-89) por ser um dos mais inovadores.

O disco comça com a faixa London Calling, que tem uma linha de baixo bem marcante, uma letra politizada e um clipe na sombria noite londrina. Em seguida vem Brand New Cadillac, um Rockabilly sobre o sonho de se ter um cadillac, apesar de politizados eles eram garotos que cresceram ouvindo Elvis e queriam ser como ele, e um dia dia ter o melhor carro, muito dinheiro, garotas e muita diversão!
Spanish Bombs fala sobre a guerra civil espanhola, contando sobre o bombardeio (com aviões nazistas) da cidade de Andaluzia em 1939 (fato também retratado por Pablo Picasso em um de seus quadros). A música também trás uma menção à morte do escritor espanhol Frederico Gárcia Lorca que lutava no exercito de resistência ao general Franco. Lost in the Supermarket é uma das minhas favoritas, com uma boa melodia, a música questiona a sociedade de consumo.

Para quem estava sentindo falta de Punk Rock, pode se deliciar com as ótimas Clampdown e Death or Glory. Já Wrong´Em Boyo e Revolution Rock são bons Reggaes que deixariam até Bob Marley com inveja. The Card Cheat é uma música de excelente qualidade, com um toque de complexidade melódica que lembra The Who nos bons tempos. Com relação a Lovers Rock só me resta uma dúvida: o que a pobre garotsa teve que engolir? E apesar do enigma a música é muito boa!
Koka Kola tem, com certeza, a melhor letra: “ Koka Kola anunciando, enquanto a Kokaína está passeando pela Broadway” (será que eles quiseram fazer algum tipo de associação entre os dois produtos?). Train in Vain que fez um grande sucesso fecha o disco (é a mesma que o Ira! Fez uma versão em português em seu acústico).

Agora só nos resta falar sobre a capa do disco. A foto retrata o baixista Paul Simonon quebrando seu baixo no fim de um show em que ele simplesmente errou em quase todas as músicas, frustrado com sua performance ele decidiu quebrar o seu instrumento. Em uma entrevista, Paul disse que se arrepende de seu ato, pois aquele era seu baixo favorito. Outro fato curioso da capa é que ela é uma homenagem ao primeiro disco do Elvis. Percebam que as palavras London Calling e Elvis Presley têm a mesma cor e estão disposta da mesma maneira.

Para saber um pouco mais sobre a ideologia do Clash entrem no site www.strummerville.com e vejam alguns dos projetos do finado guitarrista do Clash Joe Strummer!

Clube da Esquina

2005-10-31T08:08:00.000-08:00

Este disco colocou Minas Gerais no mapa da música mundial. Mas Clube da Esquina além de um bom disco foi um movimento que reuniu alguns dos músicos mais importantes daquela terra, ficando atrás em importância apenas da Tropicália. Música regional, MPB, rock, rock progressivo, Jazz, World Music; escolha qualquer um destes rótulos e ele caberá perfeitamente neste disco, mas para mim o melhor rótulo seria: música de boa qualidade.
Tudo começou em 1963 quando Milton Nascimento chega a Belo Horizonte e vai morar em uma pensão no Edifício Levy, na rua Amazonas, centro de BH. Neste mesmo prédio moravam os irmãos Borges (12 ao todos). Milton conhece o mais velho deles, Marilton e juntos formam o grupo Evolussamba, e logo estaria fazendo amizade também com Márcio e com o pequeno Lô que, então, tinha 10 anos de idade. Os encontros entre Milton e os irmãos eram sempre no quarto dos Borges e com tempo Márcio tornou-se o letrista das primeiras composições de Milton, Novena, Gira Girou e Crença, todas feitas em 1964. Enquanto isso, Lô estudava harmonia com o guitarrista Toninho Horta e devorava discos dos Beatles com outro menino, Beto Guedes. Aliás, Beatles foram uma das maiores influências do Clube.
Milton Nascimento
Entre 66 e 69 Milton começa a fazer grande sucesso no Brasil, obtendo boas colocações com suas músicas nos festivais, e participando várias vezes do programa de TV, comandado por Elis Regina O Fino da Bossa. Era o começo do estrelato de Milton, que logo foi apresentado aos americanos com o disco Courage (1968), gravado por lá com arranjos de Eumir Deodato. Já na terra de Tiradentes, a turma de músicos não parava de crescer, com a chegada de Flávio Venturini (fundador do Terço, uma das primeiras bandas de rock progressivo do Brasil), Vermelho (depois, fundaria o 14 Bis) e Tavinho Moura. Esta turma começou a se apresentar em shows chamados Fio da Navalha com Lô Borges, Beto Guedes e Toninho Horta.
À esquerda Beto Guedes, à direita Flávio Venturini
Com o retorno de Milton o grupo passou a se reunir em um bar que ficava na esquina das ruas Divinópolis e Paraisópolis (daí o nome Clube da Esquina). Nascia então o Clube da Esquina, com uma turma unida pelo interesse por música, política e muita cachaça. Os grandes idealizadores do disco foram Milton Nascimento e Lô Borges que em 1972 partem para o Rio de Janeiro para começar as gravações. Por isso que a capa do disco trás um menino negro e outro branco, mas não se enganem, eles não são Milton e Lô! Os outros integrantes iam para o rio e ficavam por pouco tempo, participando de algumas faixas apenas.
Lô Boeges
Como o disco é muito grande, 21 músicas, decidi dividi-lo em três categorias de músicas: Regionais, Saudosistas e Surrealistas. As músicas regionais são aquelas que têm influencia da música e dos costumes mineiros. As saudosistas reúne todas as músicas bucólicas que falam das paisagens mineiras e que levam o ouvinte a uma viagem ao interior de Minas. Já as surrealistas, são aquelas que têm uma grande influência dos Beatles, têm uma letra diferente e música fragmentada e com um toque de rock progressivo.
Regionais: Saídas e Bandeiras nº 1 e nº 2, Cravo e Canela, San Vicente, e Clube da Esquina nº 2. Merecem destaque as duas Saídas e Bandeiras, que contam a história da corrida do ouro no século 17 e a belíssima instrumental Clube da Esquina nº2.
Saudosistas: Tudo que podia ser, Cais, O trem azul, Nuvem cigana, Paisagem na janela, Me deixa em paz, Nada será como antes e Lilia. Nuvem cigana, O trem azul e Nada será como antes têm as melhores letras mas Nada será se destaca : “Eu já estou com um pé nessa estrada/ qualquer dia a gente se vê/ sei que nada será como antes, amanhã”).
Surrealistas: Dos Cruces, Um girassol da cor de seu cabelo, Estrelas, Os povos, Um gosto de Sol, Pelo amor de Deus, Trem de doido e O que vai nascer.Duas merecem grande destaque:Pelo amor de Deus e Trem de doido. A primeira, pela música surpreendente de Milton e a segunda pela letra surreal : “Não precisa ir muito além desta estrada/ os ratos não sabem morrer na calçada/ é hora de você achar o trem/ e não sentir pavor dos ratos soltos na casa”.
Para saber mais sobre o Clube da Esquina, leia o livro: Os sonhos não envelhecem – Histórias do Clube da Esquina de Márcio Borges que conta um pouco dos bastidores deste movimento.

Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band

2005-10-14T10:13:00.000-07:00

O disco mais inovador e complexo de todos os tempos. Até hoje Sgt. Pepper é atual e será ainda contemporâneo por um longo tempo. Fruto de uma rivalidade entre Paul MacCartney e Brian Wilson (Beach Boys) que começou com o lançamento de Rubber Soul dos Beatles e que teve como resposta o belíssimo Pet Sounds dos Beach Boys. Sgt Pepper acabou com a disputa (Brian Wilson teve um colapso nervoso pois não conseguia compor nada melhor que Sgt Pepper!). Para se ter uma idéia de sua complexidade, foram necessárias 700 horas somente para gravações (com a masterização o tempo chega a 129 dias!), enquanto que Please Please me, primeiro disco dos Beatles, foi gravado em 585 minutos!
Durante uma viagem de avião dos EUA para a Inglaterra, Paul teve a idéia de gravar um álbum sobre uma banda fictícia com o nome mais estranho possível (o que era comum na época), assim nascia a Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band que teria em seus vocais o personagem Billy Shears. Na época os Beatles tinham decidido que não iriam mais fazer shows, então o novo álbum só teria músicas que não pudessem ser tocadas ao vivo.

Antes de falar das músicas vou falar um pouco sobre a capa do disco. A idéia da capa era simples: a banda Sgt Pepper´s faria um show em um jardim para um público seleto e após o show todos posariam para uma foto. Então cada membro dos Beatles faria uma lista das pessoas das quais gostariam que estivesse no ta show fictício. Paul escolheu atores de cinema como Fred Astaire e Marlon Brando; George Harrison escolheu 12 Gurus indianos; Ringo Star não escolheu ninguém, apenas disse “o que os outros escolherem esta bom” ; John Lennon escolheu vários comediantes, Jesus e Hitler, estes dois últimos estariam lado-a-lado, mas acabaram não entrando na capa pois alguns meses antes Lennon tinha dito a famosa frase “ Os Beatles são mais famosos que Jesus Cristo” (que foi interpretada fora de contexto!) e para evitar mais confusões tiraram os dois. Várias outras pessoas famosas aparecem na capa, como: Bob Dylan, Aldous Huxley, Marilyn Monroe, Karl Marx, H. G. Wells, Oscar Wilde, Albert Einstein e uma versão dos Beatles no começo de carreira. Outro fato inovador é que o encarte trazia todas as letras das músicas do disco (primeira vez que isto aconteceu!).
Vamos agora às músicas. A primeira e a penúltima são duas partes da música Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band e fazem parte do conceito inicial de Paul. A primeira retrata o começo de um show, onde a banda Sgt Pepper se apresenta ao público juntamente com o vocalista Billy Shears e dizem que a noite promete ser maravilhosa (é como se a banda fictícia preparasse o ouvinte para as próximas músicas do disco e esperasse que o ouvinte gostasse do que tinha por vir). Já Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band (Reprise) é a despedida da banda que esta terminando o seu show (ou o disco) e que vai tocar apenas mais uma música e que espera rever os fãs em breve em um próximo show (ou na próxima vez que escutarem o disco).

With a Little Help from my Friends é cantada por Ringo Star. O título da música (com uma pequena ajuda dos meus amigos) tem um toque de humor, pois como Ringo não sabia compor e gravava rapidamente as suas partes na bateria, ficava muito tempo sem fazer absolutamente nada. Então com uma pequena ajuda de seus amigos (Paul e John) poderia passar o tempo cantando esta música! O interessante é que a música só ficou famosa na voz de Joe Cocker que fez uma versão belíssima, que aposto que todos já escutam alguma vez, mas nunca prestaram a atenção devida. Não conseguem se lembrar? Eu ajudo! A versão de Joe Cocker é o tema de abertura da série Anos Incríveis, aquela do Kevin Arnold!

Agora eu quero desfazer um mal entendido. Lucy in the Sky with Diamonds não é sobre LSD. Ela é realmente sobre um desenho que Julian, Filho de John, fez sobre uma amiguinha de escola chamada Lucy. Inclusive a letra retrata bem o desenho (como vocês podem conferira a seguir). Mas é claro que John Lennon sabia o que significava as iniciais do título da música, mas tudo não passou de uma simples coincidência.

She´s Leving Home é uma música muito bonita que conta a história de uma garota que vive confortavelmente com seus pais ricos e que foge de casa em busca de um sentido na vida, pois apesar de todo conforto ela é solitária, e diversão (coisas que o dinheiro não podem comprar). Being for the Benefit of Mr. Kite foi composta por Lennon que se inspirou num poster do circo Pablo´s Fanque (veja o pôster a seguir) e é basicamente uma propaganda das atrações do circo.

When I´m Sixty Four foi composta por Paul e é uma visão, inspirada em seu próprio pai que então tinha 64 anos, de como seria a sua vida quando chegasse a esta idade. Good Morning, Good Mornning foi inspirada em um comercial de cereais e chama a atenção por toda a sua complexidade musical (não me perguntem como eles conseguiram gravar os sons de um galo, alguns gatos, cachorros, cavalos e até um elefante!).Claro que o melhor ficaria para o final com a magistral Day in the life. A letra foi inspirada em duas notícias lidas por Lennon no jornal Dailly Mirror. A primeira sobre um rapaz que morreu em um acidente de carro e a segunda dizendo que o distrito industrial de Blackburn em Lancashire tinha 4000 buracos.
Escutar Sgt Pepper é sempre uma experiência marcante, pois é escutar o melhor disco da melhor banda e perceber que dificilmente ele será superado. Mas apesar de todo o reconhecimento dos fãs e da crítica, o único membro da banda que gosta do disco é Paul MacCartney. Lennon disse que “parando para pensar, ele nunca foi tão bom assim” e George Harrison chegou a afirmar: “o disco é ruim e não gostei de tê-lo feito pois foi apenas um trabalho cansativo e burocrático!” O mundo seria muito melhor se houvessem mais trabalhos burocráticos como este!!!

Para saberem mais sobre Sgt Pepper assistam ao desenho Yellow Submarine que contém algumas músicas do disco e as explica muito bem!

O Princípe das Trevas

2005-10-05T14:01:00.000-07:00

O que fez de transformer, primeiro disco solo de Lou Reed, popular? A boa música? A curiosidade mórbida das pessoas sobre as letras sombrias? A excelente produção de David Bowie (na época no auge da fama com seu personagem Ziggy Stardust)? A estranh ligação entre Lou Reed e Andy Warhol (criador da Pop-Art e da frase: todos terão seus 15 minutos de fama)? É difícil dizer, mas é provável que seja um pouco de cada coisa.
Lou Reed é uma pessoa diferente (para não dizer bizarra). Já na adolescência foi internado, por seu pai, em uma instituição para doentes mentais, por apresentar tendências homossexuais e sado-masoquistas. Sempre freqüentou o grande bairro boêmio e “moderninho” de Nova York, o West Village (ele mora no bairro até hoje). Lá ele acabou conhecendo Andy Warhol e entrando para sua trupe, participou de alguns filmes de arte e depois formou a banda Velvet Underground and Nico (patrocinada e controlada por Andy). A banda nunca fez sucesso mas saiu em algumas manchetes de jornal devido a capa do disco (o da banana, onde não aparecia o nome da banda mas só o de Andy Warhol!) e por causa das peripécias de Nico, vocalista da banda (um dos feitos de Nico é retratado no filme The Doors de Oliver Stone, onde ela é pega em um momento bem intimo com Jim Morrison em um elevador).

Com o fim do Velvet, Lou decide iniciar uma carreira solo e convida ninguém menos que David Bowie para produzir seu primeiro disco (também era a primeira vez que Bowie produzia). O disco é repleto de crônicas sobre o West Village com seus bares e personagens: de pessoas buscando a fama até traficantes e travestis. É o retrato de um canto de Nova York que não é visto em filmes e muito menos cantado por Frank Sinatra.
O disco começa com o grande sucesso Vicious. A música se inicia com o famoso verso (diz a lenda que foi Andy quem o disse a Lou) : “Vicious, you hit me with a flower/ you doin´g every hour” e poderia ser traduzido da seguinte maneira: “ Depravado, você me bate com uma flor e faz isso toda hora” eu acho que é desnecessário comentar o seu significado. A segunda música é Andy´s Chest que fala um pouco dos métodos criativos de Andy (uma maneira sutil de puxar o saco do chefe ou uma sincera admiração?).
Em seguida temo um dos grandes clássicos do Rock: Perfect Day. Quem tiver em mãos o CD comemorativo dos 30 anos de lançamento de Transformer poderá escutar a primeira versão da música, e irá perceber como o trabalho de Bowie foi importante, deixando a música MUITO melhor.

Walk on the Wild Side e seu baixo inesquecível! Sabe qual é o segredo? Eu conto. São dois baixos, um elétrico e outro acústico. Na época Lou não tinha banda, então ele precisava contratar alguns músicos para ajuda-lo a gravar o disco. Estes músicos além de ganharem por hora ganhavam por instrumento tocado. O esperto baixista sugeriu que se gravasse a música com um baixo elétrico e outro acústico ela ficaria muito melhor (se ambos fossem do mesmo tipo ele não ganharia em dobro) e o pior é que todos gostaram do resultado final e o espertinho faturou em dobro! Outro fato curioso dessa música é que em um de seus versos aparece a expressão Givin´ Head (vão ter que descobrir sozinhos pois eu não vou contar o que é!). E a música, com a expressão, foi tocada na puritana rádio BBC, passando despercebida pelo pessoal da censura, causando grande alvoroço naqueles que sabiam seu significado!

Merecem ainda destaque as seguintes músicas do disco:
Make Up: que descreve como um travesti se arruma (maquiagem, roupas e perucas) para mais uma noite de trabalho;
New York Telephone Conversation: a melhor maneira de descrever a letra desta música é pela série Sex and the City. Sabe aquele momento em que as personagens estão tomando café da manhã e ficam conversando sobre os relacionamentos (quem ficou com quem, quem fez o que com quem)? Então, a música é bem parecida, só que a conversa é via telefone;
Goodnight Ladies: se trata de Lou Reed se despedindo de seus amigos depois de uma noite de bebedeira. Será coincidência ela ser a ultima do disco?
Para saber mais sobre Lou Reed eu acho melhor conhecer um pouco mais sobre Andy Warhol, então assistam ao filme: Um tiro para Andy Warhol, que conta um pouco de sua história e de como ele acabou morrendo!

Nevermind

2005-09-19T12:11:00.000-07:00

Não foi o disco do Nirvana que mudou os rumos de uma geração. Nevermind foi apenas o catalisador, o motivo que todos queriam para que as mudanças pudessem ocorrer. Depois de uma década perdida, os famigerados anos 80, que começava a invadir os 90, Nevermind foi o ponta pé inicial de criatividade que faltava na vida das pessoas. Na época, indústria musical parecia estar mais interessada em cabelos e roupas espalhafatosas do que na própria música (ex: Poison, Skid Row e por aí vai), e foi preciso que três rapazes da longínqua Seatlle, mau vestidos e tocando uma música simples e direta, para mudar esta visão da indústria. Podemos dizer, que os anos 80 realmente acabaram quando Nevermind foi lançado (1991).

O Nirvana vem de uma cidade chamada Aberdeen, a 170 Km de Seattle. A banda era modestamente famosa na região quando assinou contrato com a gravadora Sub Pop para gravar o seu primeiro disco Bleach. O interessante é que duas das grandes músicas de Nevermind foram gravadas mas não entraram neste disco: Lithium e In Bloom. As músicas estão bastante descaracterizadas pois ainda contava com Aaron Burckhard na bateria (que por sinal, tocava muito mal). Depois de um certo tempo, já com Dave Grohl na bateria, a banda assina outro contrato de gravação (desta vez com a bem maior Geffen) e parte para a Califórnia com o produtor Butch Vig (atual baixista da banda Garbage!), um orçamento de 60 mil dólares e o sonho de um dia venderem 50 mil discos (metade do que seus ídolos do Sonic Youth tinha vendido com o álbum Goo).

Nevermind começa com a lendária Smell´s Like a Teen Spirit, que curiosamente foi a última a ser gravada e não tinha um solo de guitarra, então Kurt simplesmente tocou a melódia do vocal, de uma maneira provisória até o solo ser composto, mas ficou tão bom que que ficou em definitivo na música. Os ouvintes mais atentos podem perceber que no final da música, Kurt foi perdendo a voz, isto porque o vocal foi gravado de uma vez só e esta versão acabou sendo a melhor de todas.

Com relação aos vocais, todos os refrões utilizaram uma técnica chamada Doubble Tracking (o vocalista grava duas versões do mesmo trecho e depois elas são sobrepostas, dando a impressão de um backing vocal) somente com urt, com exceção de In Bloom onde Dave Grohl divide os vocais no refrão (já tinham reparado nisto?)!.
Polly é uma das músicas mais marcantes do disco. Ela conta a história de uma garota que foi seqüestrada e só conseguiu escapar quando começou a tratar o seqüestrador com respeito e educação (!). Esta é uma história verídica que Kurt leu em um jornal, e então ele resolveu fazer uma letra do ponto de vista do seqüestrador(!). O interessante desta música, é que a versão final contém um erro de Kurt que começou a cantar no momento errado (é durante o solo de baixo onde Kurt diz duas vezes Polly say´s!) mas como ela ficou tão boa acabaram deixando esta versão no disco.
Outro fato curioso do disco. Depois de 3 tentativas frustradas de gravar Something in the Way, Kurt vai até a sala do produtor Butch Vig, senta na poltrona com um viola e diz: “Eu quero que ea soe mais ou menos assim” e começa a tocar a música de uma maneira bem suave. O produtor, impressionado, sai da sala e volta em seguida com dois microfones, desliga o telefone e todos os aparelhos, pede para Kurt toca-la novamente e, prende sua respiração por 3 minutos enquanto grava a música. Portanto, da próxima vez que escutar esta música saiba que o vocal e o violão forão gravados na poltrona da sala do produtor Butch Vig.
Apenas algumas semanas após o lançamento do disco, o Nirvana já era uma das maiores bandas do planeta. Infelizmente Kurt Cobain não estava pronto para este sucesso e sua vida acabou de uma maneira trágica.
Para saber um pouco mais sobre o fim da vida de Kurt e se ele se suicidou ou se a Courtney Love “suicidou” ele assista ao documentário Kurt & Courtney.

Os Mutantes

2005-09-01T10:45:00.000-07:00

Uma das bandas mais criativas e experimentais de todos os tempos. Influenciados pelos Beatles criaram este grande clássico do rock mundial. Graças à sua grande irreverência a banda teve a coragem e a liberdade de inovar onde outros não o fariam. Apesar de ser a primeira grande banda de rock nacional, os Mutantes não levavam a sério este estilo (e isto foi um fator positivo), o que possibilitou que a banda gravasse músicas como: Adeus, Maria Fulo, Batmacumba e Chão de Estrelas, esta última de Silvio Caldas.
A história dos Mutantes começou em 64, quando Arnaldo Batista foi convidado por seu irmão mais velho, Cláudio César (guitarrista), para tocar baixo na banda Woodfaces. Um ano depois a banda acabou pois alguns de seus integrantes queriam tocar Bossa Nova, o que era uma verdadeira heresia para Arnaldo. Em 65 Arnaldo decidiu formar uma nova banda com seu amigo Raphael, que o apresentou à duas garotas: Suely e sua amiga Rita Lee Jones. Os quatro juntamente com o baterista “Pastura” e o irmão mais novo de Arnaldo, Serginho, formaram a banda Six Sided Rockers.

Em 66 a banda mudou o nome para O´Seis e com “Mogguy” no lugar de Suely gravam com a Continental o compacto “Suicida/Apocalipse”. A gravadora, contra a vontade da banda, resolve lançar o compacto, que acabou sendo um fracasso, vendendo menos de 200 cópias. No meio de 66, a banda sofre uma mudança na formação, ficando apenas: Rita, Arnaldo e Sérgio. No dia 15 de Outubro, já com o nome Os Mutantes, a banda se apresenta no programa (só transmitido para a cidade de São Paulo) Pequeno Mundo de Ronnie Von.

No ano seguinte Gilberto Gil chama a banda para tocar com ele a música Domingo no Parque (com arranjos de Rogério Duprat) no Terceiro Festival da Record. A música foi um sucesso, obtendo a segunda colocação, e Os Mutantes passaram a serem conhecidos no Brasil todo. Sobre o festival, Sérgio Dias disse: “ Eu era apenas um garoto de 17 anos, então eu só suava e tremia de nervosismo, pois sabia que estava sendo visto por todo o Brasil”.
Com o sucesso obtido no festival, a banda entra em estúdio para gravar o seu primeiro disco: Os Mutantes. A banda contou com a ajuda do genial arranjador Rogério Duprat, que demonstra todo seu talento já na primeira música: Panis et Circenses (Pão e Circo). Ela começa com a vinheta de entrada do Repórter Esso (o Jornal Nacional da época) e termina de uma maneira surpreendente, como se uma pessoa mudasse a estação de rádio, de uma que estava tocando a música para outra em que está tocando a calma música clássica Danúbio Azul, enquanto almoça (ou janta) com toda sua família.
A segunda música é minha Menina de Jorge Bem Jor, que toca violão e é autor da famosa frase da introdução “Tosse, todo mundo tossindo, vai”, e vale a pena destacar os grandes riffs de guitarra de Sérgio Dias. O Relógio vem em seguida e é uma clara influência do Sgt Pepper dos Beatles. A surpreendente letra, que conta a história de uma pessoa que está triste pois seu relógio quebrou, e os arranjos surrealistas e fragmentados de Rogério Duprat são os destaques desta música. Adeus, Maria Fulo é a quarta do disco. A música e a letra são de Humberto Teixeira (parceiro de Luiz Gonzaga e autor de Asa Branca) e Sivuca. Ela é um Baião que os Mutantes deram um toque de rock.

Baby é uma música de Caetano Veloso que foi melhorada, e muito, pelos Mutantes. Prestem atenção nos efeitos sonoros desta música, principalmente na parte do sorvete. Senhor F é um Jazz que parece ser tocado por uma Big Band dos anos 40, e seu refrão, na minha opinião, é o sonho de muitas pessoas no mundo: “Dê um chute no patrão, Dê um chute no patrão”.
Le Premier Bonheur du Jour é uma música francesa que ficou famosa na voz da grande musa dos anos 60: Françoise Hardy. Vale a pena procurar algo do trabalho desta cantora. Finalizam o disco as músicas: Batmacumba (com todo o seu experimentalismo), Trem Fantasma (a letra e a música simulam o barulho de um trem em movimento), Tempo Perdido (que começa com um curioso canto religioso) e Ave, Genghis Khan (que conta com a voz do tenor Dr César Batista, pai de Arnaldo e Sérgio Dias).

Vocês se lembram de Cláudio César, irmão de Arnaldo e Sérgio, que foi citado no começo do artigo? Apesar de nunca mais ter uma banda ele nunca abandonou a música, se transformando em construtor de instrumentos musicais. Foi ele quem construiu para Arnaldo o Baixo Regvlvs e para Sérgio a Guitarra de Ouro (ela tem detalhes folheados a ouro). Esta última contém a seguinte maldição gravada em uma placa na sua parte traseira:
“Que todo aquele que desrespeitar a integridade deste instrumento, procurar ou conseguir possuí-lo ilicitamente, ou que dele fizer comentários difamatórios, construir ou tentar construir uma cópia sua, não sendo seu legítimo criador, enfim, que não se mantiver na condição de mero observador submisso em relação ao mesmo, seja perseguido pelas forças do Mal até que a elas pertença total e eternamente. E que o instrumento retorne intacto a seu legítimo possuidor, indicado por aquele que o construiu”.

Tomem cuidado ao falar dos Mutantes!!
Para saber mais sobre Os Mutantes vejam o filme: A Hard Day´s Night dos Beatles. Eu explico: no auge do sucesso Os Mutantes fizeram uma série de comerciais para a Shell, que são do mesmo estilo do filme.

The Pipper at the Gates of Down

2005-08-12T10:42:00.000-07:00

Este é o 1º disco do Pink Floyd ( e um dos meus favoritos). Este disco é o retrato de sua época sem os clichês de paz e amor que estavam em toda parte. Ele é bem mais complexo do que pode parecer na primeira escutada, e só poderia ser fruto de uma mente brilhante. Das 11 músicas, 10 foram feitas por Syd Barrett, um gênio que começava a ficar mentalmente perturbado. Então, para entender o disco e até mesmo o Pink Floyd, temos que tentar entender um pouco de Syd Barrett.
Em 1966 o Pink Floyd ainda se chamava Sigma 6 e contava com: Roger Waters, baixo/vocal; Richard Wrigth, teclado/vocal e Nick Mason, bateria. As guitarras não tinhm dono e sempre uma pessoa diferente era convidada para assumir o posto nos shows. A banda tinha um som bem parecido com o dos Rolling Stones e não conseguia fazer sucesso, até que Waters chamou para a banda o seu amigo de infância Roger Keith (que havia adotado o nome artístico Syd Barrett) que era o guitarrista mais famoso da cena musical de Cambrige (aliás, todos os membros da banda eram de famílias extremamente ricas e faziam faculdade de arquitetura em Cambrige).
Syd já era uma pessoa um pouco “estranha” na época. Ele só tocava blues bem antigo e desconhecido do grande público e nunca amarrava seus sapatos(!). Outro fato curioso, quando Syd resolveu experimentar LSD ele decidiu fazer um filme sobre este momento! Então ele e um amigo foram para uma fazenda deserta e o amigo filmou todas as reações de Syd.

Em meados de 66 o arquiteto e professor de Cambrige Mike Leonard esta desenvolvendo novas técnicas de iluminação de shows e iria filma-las. Chamou então a banda para fazer a trilha sonora, sendo que as músicas deveriam ser improvisadas tendo como inspiração as luzes criadas pelo professor. Nascia, assim a sonoridade da banda. Mas o nome Sigma 6 não agradava Syd Barrett, e como ele era um grande fã de Blues decidiu rebatizar a banda com o nome de Pink Floyd, em homenagem à Pink Anderon e Floyd Council, seus maiores ídolos da música.

Com um novo nome e uma formação estável a banda parte para Londres para fazer alguns shows na cena underground. Depois de um relativo sucesso eles lançam seu primeiro single chamado Arnold Lane. A música acabou banida das rádios pois contava a história real de um cara de Cambrige que roubava roupas nos varais para cheira-las e depois vesti-las. Como ele vestia roupas de homens e de mulheres os diretores das rádios acharam que se tratava da história de um travesti.

No começo de 1967 a banda entra em estúdio para gravar seu primeiro disco: The Pipper at the Gates of Down. O disco foi gravado no Abbey Road ao mesmo tempo em que os Beatles gravavam o clássico Sgt Pepper e reza a lenda que Syd e John Lennon se trancavam em uma salinha escondida para tomarem LSD e trocarem opiniões sobre os discos de suas respectivas bandas. O nome do disco é o título de um capítulo do livro infantil chamado Wind Wilows de Keneth Grahame. Este era o livro favorito de Syd Barrett.
O disco começa com minha música favorita (não só da banda, mas dentre todas que eu conheço): Astronomy Domine. Nela dá para perceber toda a genialidade de Syd, com uma letra intrigante, riffs de guitarra memoráveis e os solos contando com a ajuda de seus isqueiro Zippo. Além desta música, Interstellar Overdrive também tem a temática da ficção científica. O interessante é que Interstellar era simplesmente odiada em Londres, mas fazia um grande sucesso no resto da Inglaterra.
A segunda música é também curiosa. Lúcifer Sam conta a história de um pequeno gatinho com este nome ( o que pensar de um gato chamado Lúcifer Sam?)! E a pérola The Gnome conta como é a vida de um gnomo chamado Grimble Crumble (Syd dizia que via gnomos quando tomava LSD e que gostava de conversar com eles!).O disco tem uma certa influência do ocultismo pois a música Chapter 24 e baseada no livro I – Ching.
Pow R. Toc H. é a música mais estranha do disco. Além de ter um instrumental totalmente psicodélico a letra é o próprio título da música repetido várias vezes (tente pronuncia-lo!). Take up thy Stethoscope and Walk é a única música que Syd não participa da composição (ela é de Roger Waters) e tem uma linha de baixo deliciosamente hipnótica. E por último não poderíamos deixar de citar Bike, que tem uma das letras mais imprevisíveis de Syd. O disco termina com estranhos sons de gansos que, segundo Roger Waters, é o barulho de gansos insanos e histéricos e foi idéia de Syd (vai entender!).
Syd Barrett ficou apenas três anos na banda (ele ficou louco devido ao uso excessivo de LSD) mas de uma maneira ou de outra ele sempre esteve presente nos trabalhos da banda devido a enorme influência que ele exerceu sobre os outros membros, pois quase todos os discos do Pink Floyd tem alguma referência a Syd Barrett.

Para saber mais sobre Syd Barrett eu recomendo o filme: Syd Barrett´s First Trip que trás as cenas da primeira experiência lisérgica de Syd.

Novo recado!

2005-08-01T10:09:00.001-07:00

Já esta no ar mais um artigo meu no site spiner! e devido a algumas reclamações de pessoas que achavam difícil acessá-lo eu explico como:
entre no site: www.spiner.com.br e cliquem na seção música! em seguida procure o link da ten years after à esquerda!~
Simples!
Aprendeu agora, Latino!!!!
João

O I é pouco, o II é bom, o III é de mais, e o IV é excelente.

2005-07-27T10:15:00.000-07:00

Que o Led Zeppelin é uma das maiores bandas de todos os tempos, todo mundo sabe. Que o disco IV, (que na verdade não tem nome, mas como veio depois do Led Zeppelin I, II e III ele acabou ficando conhecido por este nome) é um dos melhores de todos os tempos, também não é novidade. Sendo assim não será necessário falar das músicas: Black Dog, Rock and Roll, Battle of evermore, Stairway to Heaven e Going to Califórnia; pois tudo o que precisava ser dito sobre estas músicas já foi escrito e falado várias vezes! Mas então sobre o que é este artigo? Calma, eu respondo. Contarei como a banda foi formadae falarei de 3 músicas do lado B do disco (sim, o meu é em vinil!) que são excelentes, mas que acabaram obscurecidas pelas outras músicas. Então, comecemos pelo nascimento da banda.
Era uma vez, uma banda de Blues-Pop (lançavam singles pop, mas nos shows incluíam blues desconhecidos da maioria do público) chamada The Yardbyrds, que não era muito grande, mas fazia vários shows na terra da rainha. Esta banda teve inúmeras formações, sendo que a mais impressionante foi a que contou com Rod Stweart, Ron Wood (atual Rolling Stones, aquele que se parece com o pica-pau!) e Jeff Beck. Em certa altura Jeff Beck deixa a banda e dá lugar a um pequeno rapaz chamado Jimmi Page. Mas os outros integrantes aos poucos vão deixando a banda, deixando Page sozinho e com todos os direitos autorais das músicas (!), e uma turnê por começar com uma agenda repleta de shows.
Page então começa a reformular a banda e chama o baixista John Paul Jones que, por sua vez, mostra a Page uma matéria de jornal sobre Robert Plant – vocalista de uma banda chamada Hobbstwedlle. Plant passa a integrar a banda e ainda convida um grande amigo seu para a bateria: John Bonhm. Page então batiza a banda com o nome The New Yardbyrds.
Durante a turnê, num show em Cardiff (País de Gales) a banda abriu o show do The Who. Keith Moon (lendário baterista do The Who), impressionado com a atuação do The New Yardbyrds, disse que a banda iria voar mais alto que um zepelim de chumbo. O nome pegou e neste momento nascia oficialmente o Led Zeppelin.
Em 1973 a banda lança o disco IV. Outra versão para o nome é o aparecimento, pela primeira vez, dos 4 símbolos no encarte. Não sabe o que representam? Simples, cada um representa um integrante da banda, a saber : a palavra Zofo é o Page; as três elipses e o círculo entrelaçados é o Jones; os três círculos entrelaçados é o Bonham e finalmente a pena dentro do circulo é o Plant.

Agora vamos falar das músicas restantes:
Misty Montain Hop: tem um rif de guitarra memorável que é acompanhado de maneira magistral pelo teclado. Reza a lenda que a bateria foi gravada num fosso de um elevador no prédio do estúdio. Se é verdade eu não sei mas o timbre é bem diferente.
Four Sticks: Bonham se superou tanto que até deram o nome da música em sua homenagem. Sim, ela é tocada com QUATRO baquetas. Como? Uma ela segura da maneira tradicional, a outra ele coloca entre o terceiro e o quarto dedo. Porque? Como elas estão separadas irão provocar dois efeitos distintos: 1) elas nunca chegarão a bateria ao mesmo tempo, assim darão a impressão de duas batidas e não uma; 2) as baquetas se chocarão a cada batida , provocando um terceiro som bem característico. Preciso dizer que o cara foi um gênio?
When The Levee Breaks: é um grande Blues mas que, novamente, o diferencial está na bateria. A levada é totalmente diferente de Blues!! Tocada com uma força incrível, é muito difícil descreve-la, mas a batida não ficaria ruim num Heavy Metal! Escutem e irão entender o que digo.

Para saber mais sobre o Led entrem no site oficial da banda : www.led-zeppelin.com que tem muita informação, mas eu recomendo uma escutada nas gravações raras!!

Aviso Importante!!!!!

2005-07-15T10:38:00.000-07:00

Agora eu tenho uma coluna no site spiner cujo endereço é:
http://www.spiner.com.br/colunas/ten_years_after.php
será uma coluna quinzenal!!
eu continuarei colocando meus textos aqui, mas com um pequeno atraso com relação ao site, e fazendo algumas alterações no texto!!
E por último gostaria de agradecer a Ariane por ter me falado sobre o site spiner!!
João

The Stooges: pisando em flores!!

2005-07-07T06:54:00.000-07:00

No meio de 1968 na costa oeste dos EUA estava no seu ápice o verão do amor, em Paris a revolta estudantil e no Brasil o auge da luta contra a ditadura. Era então de se esperar que este tipo de revolta juvenil estivesse ocorrendo no mundo todo, certo? Sim, com exceção do nordeste dos EUA. Em Nova York tínhamos o Velvet Underground de Andy Warhol e os malucos do fab. 51, que as únicas coisas das quais não falavam eram política, paz e amor. Em Detroit, além do já citado MC5, existia os Stooges.
Mas porque o disco homônimo e primeiro da banda é importante? Porque além de bom ele marca o nascimento do movimento Punk, ( é claro que um fato histórico não se deve a um único acontecimento, mas este é, co certeza, um dos mais importantes), e também é o disco de estréia de um dos maiores ícones do Rock: Iggy Pop (na época conhecido como Iggy Stooge!).
O disco começa com a música 1969, que é uma canção que reflete o sentimento dos jovens daquela parte do mundo: ... “It´s another year/ for me and you/ another year whith nothing to do” (é outro ano para mim e para você, outro ano sem nada para fazer). Joey Ramone ( vocalista dos Ramones) uma vez disse “Nós (os Ramones) éramos quatro garotos sem nada para fazer , que ficavam vagando por NY cheirando cola e ouvindo Rock dos anos 50.”. Bem parecido com a temática de 1969.
Aliás o ócio é o tema também de No fun. Mas e o resto do disco, do que fala? Como o líder da banda era Iggy Pop a resposta é simples: sexo. Desde uma aproximação mais “ingênua” como em Real Cool Time, até uma temática mais “pervertida” e sado- masoquista como em Not Right (que conta a história de um cara que quer fazer “algo” à noite mas a garota que ele conheceu não é apropriada para seu intuito! Interpretem como quiserem!), Ann, Little Doll e I Wanna Be Your Dog ( o título, eu quero ser o seu cachorro, já diz tudo)!
Os Stooges no seu disco de estréia são como os personagens da série que deu nome a banda, The Three Stooges ( Os Três Patetas), violentos. Mas ainda com um tipo de violência meio ingênua, sem o objetivo de sair quebrando tudo o que encontrar pela frente. É o movimento Punk sem a filosofia anarquista! Mas esta violência, ao contrário da série, vai crescer ao longo do tempo, e juntamente com todo o ódio e a raiva pelo sistema em vigor (seja ele político, moral ou cultural) serão os ingredientes básicos que, quase uma década depois do lançamento deste disco, culminará no auge do movimento Punk mo mundo todo!
Claro que a dica desta vez só poderia ser a série Os Três Patetas, que ainda passa na TV.

Kick out the Jams, Motherfuckers!!!

2005-06-30T10:22:00.000-07:00

Calma, calma! Apesar do título, este artigo não quer incitar nínguem a quebrar tudo. Se trata do disco de estréia de um dos grandes ícones do final da década de 60, o MC5. A banda nasceu em 1965 na cidade de Detroit, por isso o nome MC5, que significa Motor City 5 (lembre-se que as grandes fábricas de automóveis dáquele país têm suas sedes nesta cidade).
A banda formada por: Rob Tyner, vocal; Wayne Kramer e Fred Smith, guitarras; Michael davis, baixo e Dennis Thompson, bateria; só conseguiu assinar com uma gravadora, Elektra (mesma dos Doors), em outubro de 1968. Mas agora é que começa o fato marcante deste disco: gravadora (!) e banda resolveram que nada melhor para o primeiro disco do que gravarem ao vivo. Isso mesmo, o primeiro disco do MC5 ,kick out the jams, foi gravado ao vivo em dois shows no Grande Ballroom, Detroit, nos dias 30 e 31 de outubrode 68.
O fato de o 1º play de uma banda ser ao vivo é, ainda hoje, algo impensável, inimaginável, inviável e impronunciável para qualquer gravadora, seja ela pequena ou grande. Aí está a genialidade da banda e de alguns executivos da Elektra, que acabaram fazendo deste disco um marco na historia da música!
Vamos agora ao conteúdo do disco.
O albúm começa com um discurso de John Sinclair, empresário da banda, mas falaremos sobre isso apenas no final. Em seguida começa Ramblin` Rose, uma música que lembra os grandes rock´s do final dos anos 50 e início dos 60, com um riff de guitarra pesado, mas que dá vontade de sair dançando. Depois vem a faixa título que começa com a famosa frase "kick out the jams, mother fuckers! ( algo como: vamos quebrar tudo, filhos da puta!), a música é outro petardo do bom e velho rock pauleira (lembra desta expressão?).
Aliás o disco segue nesta linha nas músicas: Come Togheter (não, não é Aquela!); Rock Reducer nº 62 (Rama Lama FA FA FA) (Que nome!); Borderline (que lembra, apenas no instrumental, o Motorhead nos bons tempos); Motor City is Burnning (um grande blues, que é o ritmo da cidade); I Want You Right Now (Porrada com alguns improvisos no final); e finalmente Starship (feita em parceria com um músico de Jazz e que só tem uma explicação: muita maconha e LSD como inspiração!).
Agora voltemos à John Sinclair, que além de empresário foi escritor e mentor do movimento de contra-cultura na cidade de Detroit. Para promover sua ideológia, Sinclair começou a empresariar várias bandas locais, dentre elas o MC5. É dele o discurso introdutório do disco que é mais ou menos como segue: ".... Irmãos e irmãs eu quero ouvir barulho, quero ver um pouco de revolução lá fora. Irmãos e irmãs chegou a hora de cada de vocês um decidirem se serão parte do problema ou parte da solução, vocês precisão decidir irmãos, demora apenas 5 segundos para perceber o seu propósito aqui no planeta e que é tempo de fazer algo e derrubar a todos eles..."
Discurso forte para a época e que resumia a filosófia mais radical da contra-cultura. Sinclair também fundou o White Panthers Party (Partido dos Panteras Brancas), uma resposta não racista aos Black Panthers. A maior premissa dos White Panthers era a exigência de liberdade cultural e econômica (!) para todos e se achavam no direito de usar quaisquer meios para conseguir seus objetivos. O partido até chegou a lançar um candidato a presidência, o simpático porquinho Pigasus, mas infelizmente a cadidatura não foi adiante!
Você deve estar se perguntando: então o MC5 apoiava tudo isso? A resposta deixo para o baterista Dennis Thompson: " Eu não queria ficar levando bandeiras que diziam ´vamos fumar marijuana, vamos usar LSD e trepar nas ruas´ porque isso não era o MC5. O verdadeiro MC5 era uma banda de Rock and Roll, tentando ser melhor que o The Who, The Rolling Stones e The Kinks juntas". Mas apesar disso a banda ficou com uma má e errada fama de revolucionários, e este foi um dos motivos que levaram a banda ao seu final em 1972, mas esta é uma outra história.

Para saber mais sobre a tentativa fracassada e louco dos Hippies na política leia Flashbacks : surfando no caos, autobiografia de Timothy Leary.

Manifesto

2005-06-30T09:35:00.000-07:00

Este blog foi criado com o intuito de trazer um pouco de boa música para vocês!
Mas para não apenas mais um blog de música qualquer eu criei alguns mandamentos aos quais tentarei seguir:
1) só farei críticas de discos;
2) os discos citados neste blog terão no mínimo dez anos de lançamento;
3)não me limitarei de apenas um estilo musical percorrendo rock, metal, punk, hard rock, eletrônico e mpb (bem menos);
4) a grande maioria dos discos fazem parte de meu acervo pessoal;
5) cada crítica de disco virá com um sugestão de filme, livro, gibi ou local que seja relacionado com o mesmo;
6) (e mais importante) as opiniões aqui publicadas são minhas e quem não gostar vá a merda!

Espero que gostem!
João Fábio Porto